UNO STATO DI COSE: ovvero uno Stato di diritto di meno

di Domenico de Ceglia

Anno: 2011

Durata: 48’

Formato: miniDV

TRAMA: “Uno Stato di Cose”, un insieme di ‘dati di fatto’ solo in parte acquisiti nella coscienza collettiva e nello stesso tempo uno ‘Stato di diritto’ che degrada la ‘persona’ al rango di ‘cosa’. Dai volti e dalle testimonianze della manifestazione di sciopero generale degli immigrati, il 1 marzo 2010, alle migliaia di braccianti ‘nascosti’ nelle campagne pugliesi, segregati nel CIE di Bari San Paolo, esiliati nelle pieghe fatiscenti dei palazzi abbandonati nelle periferie cittadine. I politici li utilizzano come spauracchi da esibire in campagna elettorale. L’Italia si accorge in parte di loro a Rosarno, a Lampedusa, a Manduria, in situazioni limite che sono solo la punta dell’iceberg. Eppure le loro storie si avvicinano pericolosamente alla condizione di molti cittadini italiani schiacciati dal peso della crisi, la sofferenza è comune e muta, il silenzio ancora assordante.

“A State of Things” is a group of facts concerning the lives of Immigrants in Italy, only partly acquired by people’s awareness and, at the same time, a “legally constituted state” (Italy) which reduces Immigrants to ‘Things’. ‘Hidden’ workers are portrayed as examples of thousands of such people living there; the plight of Immigrants is seen as they are shut in CIE (Centre of Identification and Deportation). Nevertheless, their stories dangerously meet the current condition of many Italian citizens who are overwhelmed by crisis. The suffering is widespread and silent, silence is still loud.

13 novembre ore 17:00

FA – Fiera delle autoproduzioni, Giovinazzo (BA)

4 dicembre ore 18:00

Auditorium Federico II, Bari | Via Latilla,13 BARI

15 dicembre ore 18.00

Rassegna AVVISTAMENTI  Cinema Odeon – Molfetta | Via Baccarini (BA)

18 dicembre ore 18:30

IMPROVVISARTE Putignano | C.so Garibaldi, 51 (BA)

21 dicembre ore 19:00

c/o Laboratorio Urbano EXOPERA  Cerignola | P.le S. Rocco, 32 (FO)

30 dicembre  ore 20.00

Tommaso Schiuma Post-design MATERA

12 gennaio ore 19.00

Caritas  Corato (BA)

22 gennaio ore 19.00

Ass. Arci Paisà Maruggio (TA)

PROSSIME PROIEZIONI:

29 gennaio ore 19.00

Ass. L’Altra Faccia dell’Africa - SUL FILO DELLA MEMORIA - Sala Convegni, Via Zanardelli 18, Altamura (BA)

8 febbraio ore 19.00

Ass. Arci Carlo Cafiero, Ass. Exit  - Via Nazareth 40, Barletta (BAT)

PRODUZIONE: GRUPPO FARFA – CINEMA SOCIALE PUGLIESE in collaborazione con Re.Ci.Di.Vi SCRITTURA e REGIA Domenico de Ceglia RIPRESE AUDIO-VIDEO LUCCA Marcantonio Lunardi RIPRESE E MONTAGGIO Domenico de Ceglia PRODUZIONE ESECUTIVA Annalisa Colucci ASSISTENTE  REGIA Angela Loredana De Palo MUSICHE Federico Ancona GRAPHIC DESIGN Stefano Ciannamea OTTIMIZZAZIONE SUONO Giordano Balsamo SCRITTURA INTERVISTE Annalisa Colucci Domenico de Ceglia INTERVISTE LUCCA Marcantonio Lunardi

- ore 21.30 – Proiezione de “Lalibertà”

SOGGETTO E SCENEGGIATURA: Mimmo de Ceglia
REGIA: Mimmo de Ceglia & Carlo Pisani
FOTOGRAFIA E MONTAGGIO: Carlo Pisani
MUSICHE ORIGINALI: Federico Ancona
REALIZZAZIONE MUSICHE: Francesco De Palma, Saverio De Palma, Giuseppe Volpe, Federico Ancona

- ore 22.00 – Proiezione de “Il lavoratori del Mare”

PRODUZIONE: Ass. Gruppo FARFA – Cinema Sociale Pugliese
PARTNER PROGETTUALE: Ass. Linea5
PRODUZIONE ESECUTIVA: Ass. Arci Cavallo di Troia
REGIA: Mimmo de Ceglia
SCENEGGIATURA: Mimmo de Ceglia, Giuseppe Boccassini

***

IL REGISTA
Domenico de Ceglia (Italia, 1978) è filmmaker e media-educator. I suoi
cortometraggi sono “Cacete” (2002), “Lalibertà” (2004). I suoi ultimi
lavori sono il risultato di laboratori pedagogici in contesti sociali
‘a rischio’. Essi sono “Come quando le nuvole” (2006),
“Skull&School” (2008), “I lavoratori del mare” (2010)

LA PRODUZIONE
L’Ass. “Gruppo FARFA – Cinema Sociale Pugliese” si occupa di
alfabetizzazione, diffusione, produzione mediatica sostenibile,
attraverso corsi di cinema, rassegne, incontri e produzioni
documentali. La sostenibilità dell’azione di Farfa è nella ricerca di
metodi alternativi di produzione e creazione, legati alla fattibilità
contestuale delle proprie iniziative, è nel coinvolgimento di gente
comune e soggetti nuovi, nel rendere il sociale protagonista di ogni
realizzazione, sostenendo l’ideale artistico e morale di restituzione
della realtà a quegli stessi individui che nel quotidiano costruiscono
i comportamenti, i gesti, le fattezze della stessa.

***

I LAVORATORI DEL MARE

ll centro del cortometraggio è la vita dei lavoratori del mare, dei vecchi italiani e dei nuovi immigrati rumeni, albanesi e senegalesi.
Un viaggio tra antichi e nuovi simboli della vita, per mezzo di un inspiegabile quanto insondabile ‘incidente metafisico’ che sarà la complicazione e, nello stesso tempo, il motore della storia, della vicenda di una ciurma di marinai in rivolta, in cerca di un padrone, un armatore o un qualsiasi suo sostituto a cui chiedere la paga guadagnata col sudore, contro cui recriminare i propri diritti lavorativi e salariali; da cui pretendere la continuazione della vita, della propria umanità.

Trama:
Seconda guerra mondiale: la NATO ha abbandonato alcune bombe chimiche nel mare Adriatico. Oggi gli ordigni si stanno deteriorando, determinando una strana malattia nei pesci che giacciono arenati e senza vita sulla spiaggia. Nessuno comprende cosa stia avvenendo. Nel panorama cementificato, statico e derelitto di questo mondo malato, un bambino torna a pescare un pesce.

***

LALIBERTA’

La storia narrata è ambientata nella Puglia del 1874, tra Molfetta, luogo d’incontro di alcuni rivoltosi guidati dall’anarchista Errico Malatesta, e Castel del Monte, luogo di ritrovo da cui, secondo il piano degli stessi rivoltosi, sarebbe dovuta partire la rivoluzione dal basso del popolo contadino sfruttato.
Nei pressi di Castel del Monte, delle centinaia di partecipanti ad una rivolta anarchista contro il Regno d’Italia, si ritrovarono solo in sei. In tale sparuto numero cercheranno di convincere i contadini ad andare verso LALIBERTA′.

***

Durante la serata approfondiremo i due lavori insieme al regista Domenico de Ceglia e ad Onofrio Pappagallo del Gruppo Farfa.

Vi aspettiamo.

Ingresso riservato ai soli soci
start ore 21.00
Circolo Arci Open Source
Via Ruvo, 127
Bisceglie

AVVISTAMENTI 010

VIII MOSTRA INTERNAZIONALE DEL VIDEO E DEL CINEMA D’AUTORE

Cinema Nuovo Splendor, Bari

…20 – 21 dicembre 2010

AUGUSTO TRETTI
Il potere della libertà

+ Enzo Del Re
Io e la mia sedia

+ video Made in Italy

• luca attili
• giuseppe boccassini
• e.g.o.,davide pepe
• antonio puhalovich
• carlo michele schirinzi
• cosimo terlizzi

a cura di Antonio Musci

«Ritengo che “Il potere” sia un film d’autore al cento per cento. Ho fatto tutto io, perfino il verso della gallina».

Augusto Tretti (alla conferenza stampa del Festival del Cinema di Venezia del 1971)

«Ai premi sono contrario, assolutamente. E mi meraviglia che chi contestava i Leoni negli anni 60 ora è felice del loro ritorno».

Augusto Tretti (da un’intervista di Alberto Crespi su L’Unità, 27 agosto 1980)

«Negli scaffaloni della cinematografia italiana, Augusto Tretti […] è difficile da collocare. Bisogna rinunciarvi. Resterà un fenomeno isolato o, peggio, da isolare».

Ennio Flaiano (L’Espresso, 14 novembre 1971)

«Se la parola poesia è troppo grossa, sceglietene un’altra. Ma, a quell’uomo, bisogna mettere in mano una macchina da presa: non capita spesso di poter sentir suonare il Dies Irae con l’accento stralunato e straziante d’una trombetta di latta».

Franco Fortini

«Do un consiglio a tutti i miei amici produttori: acchiappate Tretti, fategli firmare subito un contratto, e lasciategli girare tutto quello che gli passa per la testa. Soprattutto non tentate di fargli riacquistare la ragione; Tretti è il matto di cui ha bisogno il cinema italiano».

Federico Fellini

Augusto Tretti: il potere della libertà

Il Cineclub Canudo presenta l’ottava edizione della Mostra Internazionale del Video e del Cinema d’Autore Avvistamenti, organizzata e diretta da Daniela Di Niso e Antonio Musci e patrocinata dall’Assessorato al Mediterraneo, alla Cultura e al Turismo della Regione Puglia. L’evento si svolgerà presso il Cinema Nuovo Splendor di Bari dal 20 al 21 dicembre 2010, a partire dalle ore 17.00 fino a tarda sera con un programma molto fitto di proiezioni.
Come sempre il programma prevede diverse sezioni, tra cui la rassegna monografica di quest’anno, dedicata al regista «anarchico di linea veronese», come ama definirsi, Augusto Tretti. Classe 1924, Tretti è un autore – parafrasando Ennio Flaiano, suo grande estimatore – difficilmente collocabile negli scaffali della cinematografia italiana, «un fenomeno isolato o, peggio, da isolare».
Di lui Fellini diceva: «Do un consiglio a tutti i miei amici produttori: acchiappate Tretti, fategli firmare subito un contratto, e lasciategli girare tutto quello che gli passa per la testa. Sopratutto non tentate di fargli riacquistare la ragione; Tretti è il matto di cui ha bisogno il cinema italiano».
Purtroppo di quel matto, i cui film sono per un altro grande maestro come Florestano Vancini, i più strabilianti e fuori dal comune, il cinema italiano, che ormai vive oggi una nuova stagione di telefoni bianchi, al contrario sembra proprio non aver bisogno, confermando la triste profezia di Flaiano.
Nella sua travagliata carriera di regista, tra mille traversie produttive e vere e proprie interdizioni, soprattutto del mondo della politica, Tretti ha realizzato quattro film in un lasso di tempo di circa trent’anni (La legge della tromba, II potere, Alcool e Mediatori e carrozze). Dopo aver realizzato nel corso degli anni cinquanta una serie di cortometraggi in 8mm, purtroppo andati perduti, e dopo essere stato aiuto regista di Fellini nel film Il bidone, nel 1957 comincia a girare il suo primo lungometraggio in pellicola 35 mm, La legge della tromba, che terminerà solo nel 1960. All’uscita del film riceverà dai critici di provincia solo giudizi negativi e superficiali, mentre raccoglie l’entusiasmo di grandi intellettuali, scrittori e registi del calibro di Alberto Moravia, Franco Fortini, Fellini, Antonioni, Maselli, Vancini, Zurlini, Zavattini e Flaiano, i quali lo invogliano a proseguire sulla strada della ricerca già intrapresa con il primo lungometraggio. Ne verrà fuori quello che possiamo considerare il capolavoro di Tretti, Il potere, un film a episodi che narra come nel corso della storia umana il potere resti saldamente nelle mani di forze reazionarie, che non si fanno scrupolo di ricorrere alla violenza e all’oppressione pur di conservarlo. Nel film egli mette radicalmente in discussione non questo o quel sistema di potere, ma il potere tout court, ridicolizzandolo e rendendolo vulnerabile, al punto da indurre un noto politico socialista, presente alla proiezione del film “Il potere” alla Mostra del Cinema di Venezia del 1971, a sentenziare che Tretti non avrebbe mai più girato un film in vita sua.
E in effetti, dopo quelle parole, una vera e propria produzione Tretti non è mai più riuscito a trovarla, se si fa eccezione per la Provincia di Milano, per la quale realizza nel 1979 il suo terzo lungometraggio, Alcool, e la scuola di Ermanno Olmi a Bassano del Grappa, Ipotesi Cinema, per la quale gira nel 1985, insieme agli allievi, il cortometraggio Mediatori e carrozze.
Un caso di vera e propria censura preventiva che la politica ha esercitato sul cinema, ridotto a puro intrattenimento e divenendo esso stesso strumento per narcotizzare ed ottenere il consenso delle masse, servendosi oltre che della televisione e della stampa di regime, anche di tutti quegli apparati su cui si regge il sistema reazionario dello spettacolo in Italia: i produttori e distributori affaristi, i funzionari dei ministeri, le commissioni, i festival della mondanità più insulsa e della vacuità dei premi, in cui lo stesso Tretti e molto più modestamente anche noi non crediamo assolutamente. Tretti non è stato ignorato dalla critica, ma rimosso: l’oblio a cui lo si vorrebbe costringere, non è il frutto di un’incolpevole distrazione, ma è un gesto calcolato e ben ponderato di censura, poiché la rimozione non è mai una svista, una dimenticanza, specie per un film come Il potere, che difficilmente passerebbe inosservato.
Dopo il suo ultimo cortometraggio, nel 1985, con la fierezza e la determinazione di chi rifiuta qualunque tipo di compromesso, Tretti ha lasciato il cinema per tornare ad occuparsi della sua azienda agricola sul Garda. Da allora, salvo rare e preziose occasioni, i suoi film sono diventati sempre più invisibili. Il nostro auspicio è che essi tornino, grazie ad Avvistamenti, a essere visti ed apprezzati dal pubblico, certi che esso non resterà indifferente di fronte alla comicità grottesca e al tempo stesso ancora attuale di questi film, ma il nostro invito è rivolto anche e soprattutto ai critici e agli organizzatori di festival e rassegne, affinché riscoprano questo autore, così atipico per la storia del cinema italiano, e proprio per questo così vitale, premiandolo nell’unico modo possibile per un regista come Tretti: mostrando e facendo conoscere i suoi film.
Uno speciale su Augusto Tretti sarà appositamente prodotto per Avvistamenti dalla rivista digitale di cultura cinematografica Rapporto Confidenziale, che effettuerà inoltre un puntuale resoconto critico della rassegna.
In programma il 20 dicembre alle ore 17.00 ci sarà la proiezione in pellicola del film La legge della tromba, mentre alle 19.00 è prevista la proiezione de Il potere e a seguire, alle ore 21.00, il documentario di Maurizio Zaccaro, Augusto Tretti: un ritratto (1985), attraverso cui «immergersi totalmente in un mondo fatto di racconti affascinanti e unici, di aneddoti esilaranti, di spunti e visioni che potrebbero sfociare in film sorprendenti, e tanto altro ancora».
Le proiezioni dei film di Tretti saranno replicate agli stessi orari anche il 21 dicembre.
Le altre sezioni di Avvistamenti prevedono la proiezione, lunedì 20 alle 21.30, del documentario del regista barese Angelo Amoroso d’Aragona, Io e la mia sedia, su Enzo Del Re, cantastorie pugliese di eccezionale forza evocativa, di grande capacità innovativa sul piano della produzione musicale e dell’uso di strumenti poveri. Una icona della musica pugliese poco nota, ma travolgente se la si conosce. «Chiuso nella sua casa, in cima ad una ripidissima scala di trenta scalini, Enzo riesce, anche se con fatica, a piegare il mondo a sé e a non farsi piegare da esso»: così si esprime il regista Angelo Amoroso d’Aragona su Enzo Del Re, di cui è riuscito a ripercorrere la figura umana e artistica. Enzo Del Re (Mola di Bari 1944) scrive musica già dall’adoloscenza. Nel 1973 pubblica in proprio il primo long playing con canzoni nel dialetto della sua città, già composte e più volte eseguite. Nella sua vita artistica incontra Dario Fo, Vittorio Franceschi, Enzo Jannacci, Antonio Infantino, Nanni Ricordi, Claudio Lolli, Miki Theodorakis (di cui rielabora una composizione), Vinicio Capossela. Vive oggi nella sua città natale, sostenendosi con la pensione sociale e con i magri guadagni della vendita delle sue musicassette. E comunque Enzo orgogliosamente afferma che lui «non ha lottato per la pensione ma per la rivoluzione».
Non sfuggiranno agli spettatori i numerosi parallelismi tra le vicende professionali ed umane di questi due grandi artisti così distanti, eppure con molti tratti in comune.
Martedì 21, alle ore 21.30, saranno proiettati infine i video Made in Italy, rassegna a cura di Antonio Musci, che presenta le più interessanti produzioni video, molte in anteprima per Avvistamenti, di artisti di origine pugliese, tra cui Luca Attilii, Giuseppe Boccassini, E.G.O., Igor Imhoff, Davide Pepe, Antonio Puhalovich, Carlo Michele Schirinzi e Cosimo Terlizzi, i quali incontreranno il pubblico di Avvistamenti dopo le proiezioni per un dibattito, come è ormai consuetudine per Avvistamenti.
In questa occasione sarà presentato in anteprima il video prodotto dal Cineclub Canudo nel corso del workshop di cinema sperimentale Davide Pepe’s inner cinema, condotto dal 18 al 23 gennaio 2010 dal regista pugliese Davide Pepe. Si tratta della seconda produzione del Cineclub Canudo nell’ambito degli Avvistamenti Workshops, dopo quello svoltosi a luglio del 2009, intitolato Visione_Realtà e condotto dai registi César Meneghetti ed Elisabetta Pandimiglio, nel corso del quale è stato prodotto il cortometraggio “Estasi della ragione”.

Ingresso libero dopo le ore 21.00

Per informazioni sui costi dei biglietti e sui prossimi workshop è possibile contattare la segreteria di Avvistamenti ai seguenti contatti:

Tel/Fax: 080.9648653

Mob. 340.2215793 – 340.6131760

e-mail: info@avvistamenti.it

www.avvistamenti.it

in concorso ad OBIETTIVI SUL LAVORO http://www.ucca.it/content/obiettivi-sul-lavoro-al-primo-traguardo (24 novembre – ROMA)

Regia: Domenico De Ceglia
Anno di produzione: 2010
Durata: 19′ 18”
Tipologia: documentario
Genere: docufiction/sociale/surreale
Paese: Italia
Produzione: Gruppo FARFA – Cinema Sociale Pugliese
Formato di ripresa: HD Cam
Camera: Panasonic AG HVX201AE
Sistema di montaggio: Final Cut su Mac
Titolo originale: I Lavoratori del Mare
Altri titoli: Toilers of the Sea – Les Travailleurs de la Mer – Los Trabajadores de la Mer

Sinossi: La vita dei lavoratori del mare, dei vecchi italiani e dei nuovi immigrati rumeni, albanesi e senegalesi. Da 99 giorni i pescatori della città, gettando le reti, raccolgono solo pattume. L’unica presenza dei pesci è sulle spiagge dove giacciono arenati e senza vita. Un armatore dismette il proprio peschereccio e scompare con i soldi di risarcimento provenienti da Bruxelles, mentre i suoi marinai sono allo sbando. Un viaggio tra antichi e nuovi simboli della vita, per mezzo di un inspiegabile ‘incidente metafisico’ che sarà la complicazione e, nello stesso tempo, il motore della storia, della vicenda di una ciurma di marinai in rivolta, in cerca di un padrone, un armatore o un qualsiasi suo sostituto a cui chiedere la paga guadagnata col sudore, contro cui recriminare i propri diritti lavorativi e salariali; da cui pretendere la continuazione della vita, della propria umanità. Nel panorama scheletrico del mondo solo un bambino tirerà su un piccolo pesce vivo, ridando speranza e voglia di vivere a tutta la comunità.

Partecipazioni a festival e rassegne (8):

Premi vinti (1):

2010 ago, Lucania Film Festival (festival):
Premio “ELLE” Migliore Documentario

Un inspiegabile incidente metafisico si è abbattuto su Molfetta, una ridente cittadina di mare. Da 99 giorni i pescatori della città, gettando le reti, raccolgono solo pattume. L’unica presenza dei pesci è sulle spiagge dove giacciono arenati e senza vita. Un armatore dismette il proprio peschereccio e scompare con i soldi di risarcimento provenienti da Bruxelles, mentre i suoi marinai sono allo sbando.

In Molfetta, a pleasant small sea town, it happens an unexplainable event. It is since 99 days that the fishermen ‘s nets, dropped in the sea, pick up only rubbish. The only remained fishes are on the beach, where they lie stranded. Only a child at the end give hope to the community.

Un inexplicable incidente metafísico occurrió en Molfetta, amena ciudad de mar. Ya son 99 (noventa y nueve) días que los pescadores, echando las redes, sólo recogen basura. Los peces sólo estàn en las rivas, encallados y sin vida. Un armador desmantela su pesquero y desaparece con el dinero de un indemnización, provenido de Bruselas, mientras sus marineros están perdidos.

A Molfetta, belle ville située sur la mer,il arrive un fait inexplicable. Depuis 99 jours les filets des pecheurs,jetés à la mer, ne tirent que des ordures. Les seuls poissons restés gisent morts sur la plage de galets.

CURRICULUM FESTIVAL & PREMI

aggiornato in tempo reale da

I LAVORATORI DEL MARE

Regia: Domenico De Ceglia
Anno di produzione: 2010
Durata: 19′ 18”
Tipologia: documentario
Genere: docufiction/sociale/surreale
Paese: Italia
Produzione: Gruppo FARFA – Cinema Sociale Pugliese
Formato di ripresa: HD Cam
Camera: Panasonic AG HVX201AE
Sistema di montaggio: Final Cut su Mac
Titolo originale: I Lavoratori del Mare
Altri titoli: Toilers of the Sea – Les Travailleurs de la Mer – Los Trabajadores de la Mer

Per acquistare il dvd: http://www.gruppofarfa.org/shop/

Un inspiegabile incidente metafisico si è abbattuto su Molfetta, una ridente cittadina di mare. Da 99 giorni i pescatori della città, gettando le reti, raccolgono solo pattume. L’unica presenza dei pesci è sulle spiagge dove giacciono arenati e senza vita. Un armatore dismette il proprio peschereccio e scompare con i soldi di risarcimento provenienti da Bruxelles, mentre i suoi marinai sono allo sbando.

In Molfetta, a pleasant small sea town, it happens an unexplainable event. It is since 99 days that the fishermen ‘s nets, dropped in the sea, pick up only rubbish. The only remained fishes are on the beach, where they lie stranded. Only a child at the end give hope to the community.

Un inexplicable incidente metafísico occurrió en Molfetta, amena ciudad de mar. Ya son 99 (noventa y nueve) días que los pescadores, echando las redes, sólo recogen basura. Los peces sólo estàn en las rivas, encallados y sin vida. Un armador desmantela su pesquero y desaparece con el dinero de un indemnización, provenido de Bruselas, mientras sus marineros están perdidos.

A Molfetta, belle ville située sur la mer,il arrive un fait inexplicable. Depuis 99 jours les filets des pecheurs,jetés à la mer, ne tirent que des ordures. Les seuls poissons restés gisent morts sur la plage de galets.

EIDOLA

Regia: Giuseppe Boccassini
Anno di produzione: 2010
Durata: 6′ 35”
Tipologia: documentario
Genere: ambiente/sperimentale
Paese: Italia
Produzione: Gruppo FARFA – Cinema Sociale Pugliese
Formato di ripresa: Mini DV
Titolo originale: Eidola

Gli oggetti continuamente inviano nello spazio ad essi circostante le immagini di sé medesimi. Queste immagini, dette “eidola”,   entrano, attraverso la pupilla, nell’occhio, così rivelandosi. L’aria è ricolma di immagini immateriali volanti in tutte le direzioni. Gli oggetti emettono senza posa immagini di sé stessi, come i serpenti che perdono la pelle nel crescere. Una specie di perenne sfogliamento sembra essere la caratteristica ultima dei corpi. E l’aria è percorsa da questi fantasmi, sottili involucri trasparentissimi. Democrito.

Partecipazioni a festival e rassegne (12):

“Eidola”. Girato all’inizio del 2010 sulla Murgia, con un budget ridottissimo, l’opera è caratterizzata da una visione microscopica e materica di un insolito paesaggio murgiano, colto nella sua essenza evocativa. Lo stile sperimentale del film risiede particolarmente nell’uso di filtri artigianali (vecchie pellicole super8) che il regista usa come microscopio interiore della terra murgiana, paesaggio dell’anima, attraverso un viaggio ludico verso l’essenza della percezione. Il film vede la decisiva partecipazione del compositore tarantino Fabio Orsi, altro talento pugliese, che unisce una materialità timbrica tipica della tradizione popolare ad un approccio avanguardistico e sperimentale di matrice elettronica. Secondo le parole del regista il video “guarda” alla materia e al suo microcosmo semantico – esperienziale, fatto di siluette di ricordi, attraverso dei fotogrammi di un vecchia pellicola super 8 posta sull’obbiettivo poco rassicurante di una granulosa camera mini-dv, dove la figura ridondante di un bambino richiama una dimensione primitiva e vergine: percorso iniziatico di una percezione incontaminata e non alienata. Il film inoltre guarda alla materia cinematografica stessa come a una sorta di plastilina da modellare e al regista come ad un creatore di immagini. Questo il motivo della condensazione dei differenti ruoli del cinema in uno solo: il regista fotografo e montatore. A questi aspetti si aggiunge la schizofrenia dell’occhio meccanico nell’indagine sul reale, la collisione tra meccanicità dei mezzi fotografici e Natura ispiratrice. Nella filosofia atomista dei greci Democrito e Leucippo, èidola sono le immagini delle cose che si producono nell’incontro tra gli organi di senso e gli atomi che fluiscono dai corpi stessi.

The video “looks” at the semantic/experiential micro-universe made of memories,
by showing some frames of an old super 8 film put on the lens of a The video “looks” at the semantic/experiential micro-universe made of memories,
by showing some frames of an old super 8 film put on the lens of a miniDV camera. Moreover, it “looks” at the cinema as a sort of material to model. The “schizophrenic eye” – the dialectic question between the mechanical and the real eye – is another aspect of the video, that wants to explore the reality and, in particular, the collapse between its mechanical reproduction and nature.
The title “eidola”, from the Greek “eidolon” (that means ghost, image) in the Democrito and Leucippo’s atomistic philosophy indicates the images of the things that are generated from the collision between the physical atoms of the body and their organs of sense.
“The objects continually send in the space around them the images of themselves. These images, called “edola”, go into the eye – by the pupil – so that they can reveal themselves. The air is full of no material images that fly in every direction. The objects constantly send images of themselves, as the snakes lost their skin when they grow up. A sort of perpetual transformation seems to be the ultimate characteristic of the bodies. And the air is constantly crossed by these ghosts, thin transparent coverings”. Democrito

CURRICULUM FESTIVAL & PREMI

aggiornato in tempo reale da

MERCOLEDI’ 22 SETTEMBRE, ore 18.00, PRESSO IL CINEPORTO DI BARI, PRESENTAZIONE DVD “I LAVORATORI DEL MARE”

E’ già possibile acquistare sul sito il dvd al modico prezzo di 7 € (+ spese di spedizione) !!

clicca qui: http://www.gruppofarfa.org/shop/

Il film I LAVORATORI DEL MARE, già premiato al LUCANIA FILM FESTIVAL e selezionato in diversi festival e rassegne, è nato all’interno di un “Corso di Alfabetizzazione mediatica” per ragazzi, finanziato dalla Regione Puglia, e dalla riflessione sul rapporto tra la città di Molfetta e il mare, rapporto quanto mai contraddittorio.
La metafora dell’ “incidente metafisico” rappresentata, con la mancanza di pescosità del mare, si pone l’obiettivo di rappresentare poeticamente questa contraddittorietà, tra vecchi e nuovi simboli di una città che cambia, soggetta ad una trasformazione economica e produttiva, le cui conseguenze, positive o negative che siano, restano ancora ai più oscure.

Saranno presenti
Domenico de Ceglia (Gruppo FARFA – Cinema Sociale Pugliese), i rappresentanti delle associazioni co-produttrici e dell’ente regionale finanziatore, Onofrio Pappagallo (Ass. Linea5), Marco Di Stefano (Ass. Arci Il Cavallo di Troia) e Annibale D’elia (Bollenti Spiriti).
Si parlerà delle attività svolte dal Gruppo, di orizzonti produttivi, crowdfunding. La proiezione sarà preceduta dalla visione dei trailer dei nuovissimi lavori di Chiara Armentano (Wake), Giulio Mastromauro (Amor Taciuto) e Domenico de Ceglia (L’Altra Faccia); dalla performance “H2O” a cura di Ninnì Vernola.

E’ già possibile acquistare sul sito il dvd al modico prezzo di 7 € + spese di spedizione

IL PROGETTO FINANZIATO DA PRINCIPI ATTIVI DEL “CORSO DI ALFABETIZZAZIONE MEDIATICA”
Principi Attivi è sbarcato ufficialmente a Molfetta stipulando il Contratto Etico con il Gruppo Farfa – Cinema Sociale Pugliese 
di Domenico de Ceglia (filmaker, sceneggiatore, docente) e Giuseppe Boccassini (filmaker, esperto di fotografia).
Con il supporto di un gruppo di esperti Farfa ha realizzato un Corso di Alfabetizzazione Mediatica, una Scuola di Cinema, per ragazzi
frequentanti gli Istituti Scolastici di Molfetta dalla terza media al quinto superiore, sostenendo azioni di inclusione sociale
degli individui particolari e di promozione delle capacità dei giovani allievi.
Il progetto, che si è realizzato nell’arco di un anno, è partito con un’azione
di selezione dei partecipanti e diffusione dello stesso nelle scuole di Molfetta.
Numerosi sono stati i dirigenti scolastici della città che hanno abbracciato l’idea, costituendosi
partners progettuali per la selezione degli allievi e mettendo a disposizione spazi e locali.
I 30 ragazzi che Farfa ha selezionato nelle scuole della città hanno partecipato ai seguenti workshop e laboratori:
- Laboratorio di analisi filmica, dal cinema classico ai video sperimentali con approfondimenti iconografici;
- Laboratorio di recitazione con sezioni di approfondimento sulla voce, la danza, il canto;
- Laboratorio di scrittura dell’idea filmica e del soggetto
- Laboratorio di fotografia e regia con esercitazioni pratiche
- Laboratorio di teoria e tecniche di montaggio con approfondimenti sugli elementi di titolazione e grafica
- Laboratorio di montaggio della colonna audio

Durante le attività d’aula e laboratoriali i giovani allievi hanno partecipato alla scrittura del soggetto, e sono stati impegnati come stagisti nella realizzazione,
del cortometraggio “I lavoratori del mare”, diretto da Domenico de Ceglia, per la fotografia di Giuseppe Boccassini, in collaborazione con le associazioni “Linea5” e Arci “Il cavallo di Troia”.

Gruppo FARFA – Cinema Sociale Pugliese
presenta il film

I LAVORATORI DEL MARE

diretto da Domenico de Ceglia
per la fotografia di Giuseppe Boccassini

Stage finale del Corso di Alfabetizzazione mediatica

a cura del Gruppo FARFA – Cinema Sociale Pugliese
in collaborazione con l’Ass. Linea5 e Arci Il Cavallo di Troia

con il patrocinio di
Bollenti Spiriti – Assessorato alla Trasparenza e Cittadinanza attiva della Regione Puglia
Ministero della Gioventù

domenica 21 marzo 2010
Ora:
18.30 – 21.00
Luogo:
Mercato Ittico presso Banchina S. Domenico – Molfetta

TRAMA:
Un inspiegabile incidente metafisico si è abbattuto sulla cittadina. Da 99 giorni i pescatori della città, gettando le reti, raccolgono solo pattume. L’unica presenza dei pesci è sulle spiagge dove giacciono arenati e senza vita.
Un armatore dismette il proprio peschereccio e scompare con i soldi di risarcimento provenienti da Bruxelles, mentre i suoi marinai sono allo sbando.
Nel finale, una flebile ma concreta luce illumina il panorama scheletrico del mondo e la comunità può ricomporsi nell’epifania della semplicità e immediatezza dei gesti solari dei bambini.

Nella serata, inoltre:

- Mostra fotografica di Edouard de’ Pazzi
e del Collettivo Rumore

- Foto dal Concorso fotografico “I lavoratori del mare”

- Proiezione dei trailer dei film
“I bambini hanno gli occhi” di Antonio De Palo
“Eidola” di Giuseppe Boccassini

- Reading sul mare
a cura di I’M Teatro IndipendenteMente

AL TERMINE DELLA SERATA DALLE 21.00 ALLE 22.00 GRAN BUFFET PRESSO “PIAZZA CALVARIO RISTORANTE”…………………

http://www.facebook.com/?sk=messages&ref=mb#!/profile.php?id=1239562128&ref=ts

…………………….E POI ALL’INIZIO DELLA NOTTE CONCERTO ALL’ARCI “CAVALLO DI TROIA”

con i Trouble vs Glue duo franco – romano………………………………..

http://www.myspace.com/troublevsglue

La domenica, dalle 20.00 aperitivo sociale e film.

Ass.Culturale Linea 5, via M.D’Azeglio 200, Molfetta.

PROGRAMMA.

• 8 novembre. Storie-Racconto incompleto di diversi viaggi, Francia-Romania-Germania, 2000.
• 15 novembre. Funny Games, Austria, 1997.
• 22 novembre. La pianista, Francia-Austria, 2001.
• 6 dicembre. Niente da nascondere, Francia-Austria-Germania-Italia, 2005.

Il montaggio proibito. Da Andrè Bazin a Michael Haneke.

La realtà confessa il suo senso come l’imputato sotto l’interrogatorio instancabile del commissario

(Andrè Bazin parla del cinema di Erich von Stroheim)

Nella storia del cinema i due pensieri certamente più importanti per codificare il linguaggio cinematografico del montaggio e le sue infinite evoluzioni sono quelli di S.M. Ejzenstejn e di Andrè Bazin. Entrambi hanno concretizzato attraverso degli studi e degli scritti, un dilemma storico riguardo la presenza del montaggio all’interno della favola cinematografica, ovvero la dicotomia tra il cinema narrativo e il cinema espressivo. Tutto il cinema classico appartiene alla prima schiera, mentre il formalisti russi degli anni venti sono i promotori della seconda. Hanno una storia a parte le avanguardie francesi degli anni venti (la fotogenia) e quelle statunitensi degli anni sessanta (new american cinema), così come ogni avanguardia al là di quella russa. Si può affermare che il cinema narrativo rappresenta l’istanza primaria che vede nell’arte la rappresentazione fedele della realtà. Il cinema quindi deve tendere a compiere attraverso il montaggio un’operazione di trasparenza, ovvero i tagli del montaggio non devono essere percepiti dallo spettatore poiché in tal modo egli sarebbe distratto rispetto al flusso immedesimativo. L’intento è mostrativo.  Al contrario il cinema espressivo, visto come istanza fondativa del cinema, si fa beffa della realtà e vede in essa l’occhio interpretativo del regista. Così il suo intento è quello di compiere un atto ideologico, dimostrativo, materialistico.

Questa separazione ideologica e filosofica riguardo l’uso del montaggio è importante per capire, al di là della reale prevalenza di una rispetto all’altra, come il montaggio determina oltre al ritmo di un film anche il rapporto che un autore determina con il reale, da cui verrà in ogni modo influenzato.

Il montaggio d’altronde non è altro che la definitiva selezione del materiale visivo e sonoro ottenuto dalla realtà, già filtrata attraverso una volontà drammaturgica (la sceneggiatura) e scenica (la regia, la fotografia e il suono).

In questo percorso, Michael Haneke rappresenta un autentico prosecutore delle teorie baziniane della mostrazione e della trasparenza. La sua scelta non è da rintracciare in chiave spettatoriale:non utilizza poco il montaggio per accattivare lo spettatore, anzi gli mostra spesso cosa succederebbe se venisse manipolato attraverso il montaggio stesso; ad esempio la scena iniziale di Funny Games, mostra le potenzialità manipolatrici del sonoro (nella stessa scena alterna Mascagni, Mozart e Handel a John Zorn). Oltre alla mostratività della trasparenza cinematografica che proibisce il montaggio, Haneke va oltre mostrando anche il trucco stesso del cinema, la su mostratività è dunque duplice, metalinguistica (parla del mezzo comunicativo del quale si serve per mostrare).

Andrè Bazin dice: il montaggio è proibito ogni qual volta l’evento referenziale (reale) delle’evento diegetico (del racconto) in questione sia fortemente ambiguo, ogni volta che per esempio l’esito sia imprevedibile.

Dunque l’impegno rappresentativo di Bazin di fronte alla realtà è quello di rispettarne l’autenticità, l’ambiguità, il divenire. Il montaggio non deve sostituirsi alla realtà che rappresenta e il cinema, premettendo che è un mezzo di rappresentazione, dunque artefatto, deve tendere a questa trasparenza, deve quasi scomparire.

La moralità, il rigore, la riflessività dell’atteggiamento ontologico di Bazin si ritrovano pienamente in Haneke. Il continuo uso di piani sequenza, tratto caratteristico del regista austriaco, come nel primo film della rassegna, Storie (piccole storie raccontate attraverso dei piani sequenza), è a  favore della pienezza della scena, di uno spazio e di un tempo che siano i meno manipolati possibili, che rimandino alla fisicità del reale, alla sua presenza, alla sua essenza. Haneke non rifiuta niente del reale, nel suo cinema c’è la banalità, la ridondanza, la violenza (Funny Games), il caos, l’amore, la perversione(La pianista), i gesti, le indecisioni, poiché tutte indistintamente fanno parte della vita stessa e del suo farsi. Il suo rispetto ontologico diviene spesso rischioso, come tutti gli approcci rigorosi, poiché può non essere un’arma accattivante per lo spettatore abituato legittimamente a cercare nel cinema un’evasione rispetto al reale, già di per sé soffocante. La bellezza e il fascino dei film di Haneke però risiedono proprio in questa naturalità, in questa volontà di non bleffare, di non stupire, ma di ricercare, di interrogarsi sul significato dell’arte e della vita stessa, nel suo divenire. Il suo concetto di trasparenza e la sua riflessione metalinguistica sono ontologiche non estetiche.

Giuseppe Boccassini

]]> http://www.gruppofarfa.org/rassegna-il-montaggio-proibito-michael-haneke/feed/ 0 http://www.gruppofarfa.org/rassegna/ http://www.gruppofarfa.org/rassegna/#comments Thu, 15 Oct 2009 00:43:43 +0000 DdC http://www.gruppofarfa.org/?p=761

IL COLORE DEL NOIR, PARK CHAN-WOOK

OGNI DOMENICA, DALLE 20.00 APERITIVO SOCIALE PIU’ FILM,

ASS. CLUTURALE LINEA 5, VIA M.D’AZEGLIO 200 MOLFETTA.

NON MANCATE!!!!!!

PRIMO FILM. DOMENICA 18 OTTOBRE.

• SYMPATHY FOR MR.VENGEANCE, COREA DEL SUD, 2002.
  

- Sympathy for Mr.Vengeance (compassione, non simpatia, per il signor vendetta) è il primo film della così detta trilogia della vendetta, firmata dal regista sud coreano Park Chan-Wook.

Come opera iniziatrice è sicuramente l’oggetto filmico più interessante dei tre, poiché porta con sé le istanze registiche che prenderanno corpo nei due film successivi, attraverso un apparato produttivo sicuramente superiore: Oldboy e Lady vendetta. Mr. Vendetta (così il titolo italiano) esce in Italia esclusivamente nel festival udinese di cinema asiatico, Far East Film Festival, ed ha successivamente una distribuzione in dvd (il doppiaggio infatti non è dei migliori, sempre che ci si vuole inoltrare nell’ardua impresa di ascoltare un film asiatico doppiato in italiano).

Previsualizzando quello che poi sarà uno stile consolidato nelle sue successive produzioni, Mr. Vendetta è una irriverente sintesi tra noir di taglio americano, l’hard boiled (di cui Raymond Chandler, Dashiell Hammett e Mickey Spillane sono pionieri negli Usa come deriva violenta della letteratura giallistica) e l’esplosione coloristica tipica dell’iconografia orientale, come dimostrano altri film orientali (subito il paragone porta a Dolls di Takeshi Kitano).

I temi dell’hard boiled (tutta la storia gravita attorno alla vendetta, il rincorrersi di due personaggi spinti dall’annientamento reciproco, l’uso spasmodico della violenza, l’elemento criminologico, l’omicidio come soluzione ricorrente, sono dei leitmotiv nella letteratura hard boiled) sono contrastati da una mise en scène atipica per lo spazio filmico del genere, quali il bianco e nero ad alto contrasto, ambienti urbani notturni, recitazione sopra le righe, giochi di luce espressionistici (il noir a livello cinematografico è l’erede del cinema espressionista tedesco, infatti molti registi del noir classico sono proprio immigrati tedeschi in Usa). La componente, esotica per il genere, del colore e il suo utilizzo iper realistico (colori molto saturati), assieme ad una prospettiva fotografica estremamente centrale e simmetrica (l’espressionismo cinematografico e il suo erede noir sono caratterizzati da prospettive sbilenche e asimmetriche) enfatizzano l’interesse dello spettatore verso la sua caratterizzazione iconografica.

Infine assieme a questa visione iper caleidoscopica del dolore, un noir a colori, insomma, Park Chan Wook usa la strategia dei generi per arrivare ad un discorso politico. La vendetta, infatti, nel suo caso è intesa non come atto singolo, reazionario, ma come atto di classe, contro il potere, come ribellione anarchica, intesa come vendetta carnale, sanguigna.

Questa estetizzazione della vendetta, tra epica e grand guignol, porta la spettatore ad una catarsi finale, in un percorso che passa attraverso le vene, la pelle, il sangue, la carne per arrivare ad un atto politico.

Giuseppe Boccassini

- Forse non c’è bisogno di parlare, forse la realtà si dispiega attraverso i suoi suoni, i fiati, i sospiri, i suoi gemiti. E non meno mediante una fotografia e una capacità figurativa fuori dal comune. Dio scompare. Si vanificano le grandi narrazioni, ogni interpretazione è errante e, se dio non esiste, non si può più parlare di metafisica né di tragedia, perché anche la tragedia ha bisogno di un fine ulteriore al quale appellarsi per giustificare ogni azione vendicativa, di un ‘logos’ a cui richiamarsi per riordinare il cosmo sottratto al suo ordine: non c’è più il fantasma del padre di Amleto ad insinuare la verità di un mondo regolato ai cui princìpi nessuno può sottrarsi, né ancora la certezza inoppugnabile di Oreste.

I film di Park Chan-wook, dunque, non sono tragici nel senso classico del termine, sono tragici perché nella contemporaneità si è perso il senso del tragico e la morte è divenuta una variante grottesca della vita stessa. La vendetta e la morte divengono banali, come banale appare la vita.

E questo in Oriente non meno che in Occidente, se è di un Oriente industrializzato e terziarizzato che si parla.

Non da meno, infatti, la critica al neo-liberismo e al post-fordismo, con la trasformazione del lavoro che ne è derivata, segni sottopelle di un’occupazione prima militare e poi culturale americana (non estranea neanche ad un altro grande regista sud-koreano come Kim Ki-Duk, negativamente alla luce nel suo “Indirizzo sconosciuto” prodotto un anno prima, nel 2001).

Risale al 2000 il primo successo internazionale di Park Chan-wook, col film “JSA – Joint Security Area”, invitato al ‘Festival di Berlino’ e al ‘Far East Film Festival’ di Udine.

Grazie alla straordinaria popolarità, ha potuto dedicarsi ad un lavoro scritto cinque anni prima, in un periodo per lui cinematograficamente sfortunato, ma che non lo ha privato certo della grande vena creativa: questo lavoro è proprio “Sympathy for Mr. Vengeance”, il primo della trilogia proposta in rassegna, che comprende anche “Oldboy” e “Sympathy for Lady Vengeance”.

“Oldboy” presentato a Cannes nel 2004 riceve il Premio della giuria, non a caso presieduta da Quentin Tarantino, che di certo ha apprezzato la vena ‘pulp’ dell’autore sud-coreano.

Mimmo de Ceglia

Sympathy for Mr. Vengeance, Corea del Sud (2002) Regia: Chan-wook Park, Sceneggiatura. Jae-sun Lee, Mu-yeong Lee, Yong-jong Lee ,Chan-wook Park. Fotografia. Byeong-il Kim. .Montaggio. Sang-Beom Kim , Scenografia. Sang-man Oh . Musica Seok-weon Kim, Seung-cheol Lee , Costumi, Seung-heui Shin Prod. Jae-sun Lee ,Kang-bok Lee ,Jin-gyu Lim, Dong-jun Seok

SECONDO FILM. DOMENICA 25 OTTOBRE

• OLD BOY, COREA DEL SUD, 2003.

Chi è Oldboy? L’angelo vendicatore che, detenuto in attesa di un non giudizio, architetta una lenta agonia per i suoi aguzzini; il padre di famiglia che cerca il ricongiungimento con la propria carne attraverso il ritrovamento della figlia; l’ignaro cittadino, figlio di una società chiusa e violenta che priva di tutti i diritti, metafora della Corea; il colpevole, inconsapevole causa di una tragedia d’amore e familiare che colpisce persone a lui vicine. Tutto questo è Old Boy, una favola romantica ed allo stesso tempo tragica, uno dei più fiammeggianti melodrammi degli ultimi dieci anni che solo apparentemente si veste della struttura del thriller o del giallo, un investigazione sul potere della comunicazione e della trasformazione della realtà come noi la percepiamo. La dolce storia d’amore che solo agli occhi di una società chiusa e perbenista può apparire incestuosa. Il film, invece, ha il merito di scavare nell’inconscio del protagonista e del pubblico e di far venire allo scoperto tutti quegli umori inconfessabili e la fascinazione del male che permeano la cultura orientale, ma non solo, direi anzi che sono nervi universali i quali, una volta scoperti, fanno venire a galla la mancanza di valori morali dell’universo umano ed il gioco del destino che muove come marionette inconsapevoli i protagonisti di questo straordinario lungometraggio. Primi piani asciutti, una mdp che viaggia come in una cavalcata di Wagner con frequenti contrappunti di jazz freddo. Un’opera insolitamente densa di significati che colpisce dritto allo stomaco, raccontando situazioni torbide in assoluta serenità, con un finale in crescendo che mette i brividi. Aspettatevi di veder ribaltati tutti i vostri codici morali e di viaggiare a metà strada tra il sogno e l’incubo in un’opera che metterà a dura prova lo spettatore attento e pronto ad immergersi nell’anima nera di questo film.

Marco Di Stefano

Oldboy: la trama perfettamente tessuta, le immagini poetiche e l’eterna sceneggiatura della drammaturgia di ogni tempo. Spesso i comportamenti umani possono apparire folli quando sono pervasi da sentimenti totalizzanti come l’amore, l’odio o la vendetta. La formula della “lucida follia” con la quale si è soliti classificarli non risolve, in realtà, il dubbio: pazzia pura o pura espressione di un’intelligenza? Il bello è che alla fine di questo film ognuno avrà la sua risposta.

Alfredo Castriota.

Ispirato all’omonimo manga di Tsuchiya Garon (scrittore) e Minegashi Nobuaki (disegnatore), Oldboy è il secondo film della trilogia della vendetta del sudcoreano Park Chan-wook, che porta il regista alla definitiva consacrazione fuori dai confini nazionali. I film infatti vince numerosissimi premi, tra i quali spicca il Gran premio della giuria a Cannes (presieduta da Quentin Tarantino), nel 2004.

Old Boy, Corea del Sud (2003) Regia. Park Chan-wook Sceneggiatura. Park Chan-wook, Jo-yun Hwang, Chun-hyeong Lim, Joon-hyung Lim, Cast. Min-sik Choi … (Dae-su Oh) Ji-tae Yu (Woo-jin Lee) Hye-jeong Kang (Mi-do). Fotografia. Chung-hoon Chung Montaggio. Sang-Beom Kim. Costumi. Sankyung Cho. Musica. Hyun-jung Shim Produzione. Dong-ju Kim, Seung-yong Lim. Colore, 120 min.

Buona visione

TERZO FILM. DOMENICA 1 NOVEMBRE

• LADY VENDETTA, COREA DEL SUD, 2005.

Il bianco

“In molti oggetti naturali, la bianchezza aumenta e raffina la bellezza, come se le impartisse qualche sua speciale virtù: come nei marmi, nelle camelie e nelle perle “Popoli diversi  hanno riconosciuto nel colore bianco una qualità di preminenza regale e un’aura di sacralità: grandi animali bianchi (l’elefante, il cavallo, il bisonte, l’aquila, l’albatro dei mari)  sono considerati emanazioni della divinità. e ispirano una naturale venerazione. La bianchezza  è stata sempre associata alla  potenza e alla benevolenza divine: bianco doveva essere  l’animale offerto agli Dèi, presso i popoli che praticavano sacrifici. Questo simbolismo continua nel Cristianesimo: nell’Apocalisse i redenti portano vesti bianche, e bianchi sono i paramenti dei sacerdoti cattolici in alcune occasioni solenni. Il bianco rappresenta l’incorruttibilità della giustizia nella cappa bianca del giudice (un tempo fatta di pelliccia bianca) Secondo l’autore “questa supremazia vige nella stessa razza umana, dando all’uomo bianco un’autorità ideale sopra ogni stirpe bruna”Il bianco è inoltre simbolo di gioia: per i Romani una pietra bianca significava un giorno fortunato (da cui il modo di dire, tuttora usato: segnare albo lapillo, (con una pietruzza bianca, un segno bianco col gesso), un giorno che merita di essere ricordato per un evento felice. C’è poi il bianco della sposa, che significa candore e verginità, ma è anche un augurio di felicità senza ombre. [...] “Ma ci sono altri casi, in cui la bianchezza perde completamente quella strana aggiunta di sublimità che l’informa nel cavallo bianco e nell’albatro. In un uomo albino, cosa c’è che ripugna in modo così particolare e spesso offende l’occhio, tanto che a volte egli è aborrito persino da amici e familiari. E’ la bianchezza che lo fascia e che si esprime nel nome che porta. L’albino non è meno ben fatto degli altri, non ha alcuna sostanziale deformità, eppure basta quella bianchezza che lo copre tutto a renderlo, chissà perché, più orribile del più orrendo aborto… “E’ questa qualità inafferrabile che rende l’idea della bianchezza, quando è separata da associazioni più benigne e accoppiata con un oggetto qualunque che sia terribile in se stesso, capace di accrescere quel terrore fino all’estremo. Ne sono prova l’orso bianco polare e lo squalo bianco dei tropici: cos’altro se non la loro bianchezza soffice e fioccosa li rende quegli orrori ultraterreni che sono?”[...]“Forse, con la sua indefinitezza, la bianchezza adombra i vuoti e le immensità crudeli dell’universo, e così ci pugnala alle spalle col pensiero dell’annientamento mentre contempliamo gli abissi bianchi della via lattea? Oppure la ragione è che nella sua essenza la bianchezza non è tanto un colore, quanto l’assenza visibile di ogni colore e nello stesso tempo l’amalgama di tutti i colori, ed è per questo motivo che c’è una vacuità muta, piena di significato, in un gran paesaggio di nevi, un omnicolore incolore di ateismo che ci ripugna? [...]E andando ancora oltre, ricordiamo che il cosmetico misterioso che produce tutte le tinte del mondo, il gran principio della luce, rimane sempre in se stesso bianco e incolore, e se operasse sulla materia senza mediazione, darebbe a ogni oggetto, anche ai tulipani e alle rose, la sua tinta vuota. [...]E di tutte queste cose, la balena albina era il simbolo. Perché allora vi meraviglia questa caccia feroce?”

da “La bianchezza della balena”, Moby Dick, Herman Melville.

Regia: Park Chan-wook Soggetto: Park Chan-wook ,Sceneggiatura: Jeong Seo-Gyeong, Park Chan-wook, Fotografia: Chung Chung-Hoon, Montaggio: Kim Jae-Beom,, Scenografia: Cho Hwa-Sung .

Premi:  62ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia: Leoncino d’Oro.

Bangkok Festival 2006: Miglior regista.

Durata: 112 min